带你读日本设计六十年（三）
内田繁认为，20世纪70年代的日本设计发展趋势平淡无奇。那么，设计的重要性，是体现于“轰轰烈烈”，还是“平淡是真”呢？
20世纪70年代
—
随着日本设计走向世界舞台
设计的发展终将迎来瓶颈
内田繁用“平淡无奇”
概括20世纪70年代的日本设计
这让我萌发出一个疑问：
设计的重要性
是体现于“轰轰烈烈”
还是“平淡是真”呢？
看似平凡的年代
—
20世纪70年代，鲍勃·拉菲尔森导演的《五支歌》在日本上映，这部电影讲述主人公巴比的生活，背景是在美国中部地区随处可见的乡村小镇。电影中平淡的叙事角度，就好像在告诉观众没有大事发生的可能。内田繁则认为《五支歌》恰好暗示了70年代的日本设计特征。
▲《五支歌》 | 1970年9月12日
20世纪70年代，日本设计的重点开始转向“日常化”，平日里毫不起眼的垃圾桶、电线杆之类的公共设施也被设计师重视起来。
再譬如服装与室内行业的目的，也从“为走向国际化而设计”向“为日常使用而设计”转变。
1970年大阪世博会
—
大阪世博会的筹备阶段
1964年9月计划举办世博会，并成立主题委员会。
1965年12月确定世博会主题为“人类的进步与和谐”。
1966年10月总体规划获批，主要针对基础设施与环境做出完善的优化实施方案。
与以往的世博会不同，大阪世博会希望展示全人类的文明，在这里可以感受到各个国家的文化精华，是一场属于世界的“盛宴”。于是，由主题委员会提出的“节日广场”方案被敲定下来。
▲施工场景
1970大阪世博会（萬國博覽會）
亚洲第一届世界博览会
▲1970年大阪世博会海报
▲大阪世博会开幕
1970年3月14日大阪世博会如期举办，在2010年上海世博会举办之前，大阪世博会是世博会历史上参展人数最多的。
▲各种活动门票
“人类的进步与和谐”的含义
这一届的主题是“人类的进步与和谐”，不仅展示了技术文明的进步，还着眼于这种进步同时对自然和人性造成的损害等各种扭曲问题，思考应该如何解决这些问题，实现与“和谐”并存的“进步”。
大阪世博会官网
▲大阪世博会官网对主题的介绍
大阪世博会LOGO
设计者：平面设计师 大高猛
选用具有日本代表性的樱花，将大会主题“人类的进步与和谐”视觉化。
5片花瓣代表五大洲
中间的圆代表日本国旗
核心建筑—主题馆与太阳之塔
主题馆的设计把空间隔成“地下、地上、空中”三个部分。
“地下”代表过去
“地上”代表现代
“空中”代表未来
▲主题馆外立面
▲主题馆内部“太阳空间”
「神秘的脸」
主题馆的主体部分是由“三张怪脸”组成的「太阳之塔」，三张脸的象征同样遵循主题馆划分的三个空间，塔顶的“黄金之脸”代表未来，塔中间的“太阳之脸”代表现在，塔背面的“黑太阳”代表过去。
▲太阳之塔（正面）
▲太阳之塔（背面）
▲太阳之塔内部结构图
▲太阳之塔内部“生命之树”
▲广场一角
通过上述图文，我们可以很清晰得看到设计意图，广场部分（中间部分）代表现在，也就是当时人们所处的时代，每个参会的人都在诠释着那个时代的特征。地下（广场以下）代表过去，地上（太阳之塔顶部）代表未来。
▲地下展览“人的空间” | 象征过去
▲大屋顶内的空中展览 | 象征未来
9月13日11时，电子公告板宣布「再见 EXPO’70」，历时183天的大阪世博会闭幕。以2021年的视角回顾70年代的设计，这种以“过去-现在-未来”的形式架起来的世界沟通桥梁，仍让我惊叹不已。
▲闭幕仪式
“脖子以上的时代”
—
生理需求得到满足，
人们必然开始追求精神需求。
西武百货店的文化策略
西武百货店察觉到了人们需求上的变化，一反常态地将百货店改造成了具有城市功能的商业街。西武百货店把引起日本人好奇的所有东西都集中在商业街上，即有让人们“玩得开心”的商品，又有美术馆、艺术书店这类具有“文化底蕴”的店铺。
要想吸引民众，视觉传达成为最关键的部分，这时海报就显得尤为重要。在广告行业的激烈竞争下，衍生出了新的行业——广告词作家（文案）。
▲西武百货SEIBU
各个设计行业的发展趋势
由个体独立设计转变为团队合作体制
资生堂在1966年建立项目总监体制，由设计师、文案策划、摄影师、插画师等职位共同参与项目设计。这意味着广告设计不再是设计师个人的“单打独斗”，而是多领域的合作模式，这种设计模式更能激发创作的无限可能。
海报表现形式的变化
插画→摄影→与音乐结合
以资生堂为例，我们可以很直观的看到海报设计形式的转变。
▲1927年资生堂海报
▲1932年资生堂海报
▲1955年资生堂海报
▲1966年资生堂海报
随着广告行业的发展，以商业为中心的室内设计不断走向成熟，内田繁称赞这个时期的室内设计发展如雨后春笋般生长。
商业空间的崛起
设计是一种创造时间的行为。我们可以把生活的时间分为：“日常时间”“脱离日常的时间”“超越日常的时间”，以此开展开空间设计。
1）日常时间
“日常时间”是指人们为了生存而使用的时间。这些时间所支撑的空间，即住宅、医院、学校之类解决基本生存需求的空间。
2）脱离日常的时间
“脱离日常的时间”是指人们娱乐的时间，这些时间所支撑的空间，即购物、饮食、电影、音乐等商业空间。
3）超越日常的时间
“超越日常的时间”是指信仰时间，比如教堂、寺庙等祭拜与礼仪的空间。
TIP：这种时间划分的方法是否可以尝试在其他设计领域中使用呢？
▲北原进“藤江纺织物展览厅” | 1972年
服装设计从60年代的过激设计中脱离出来，回归到为日常设计之中。三宅一生也在这个时期萌发这样的想法：“我想做平日穿的衣服，想让日常的服装变得更加丰富。”
设计师们的设计重心不再是展览性质，他们开始研究服装的日常之美。
▲三宅一生 | 迪奥纶连衣裙与米兰尼斯大衣
“究竟什么才是自己最需要的东西，富饶的本意又是什么？”
人们开始审视日常生活中的细节，从实质上对现代物质文明进行反省。工业的发展，给人们的生活带来便捷，但随之而来的副作用显而易见。交通工具成为日常生活的代步工具，却会引发交通事故与污染环境等社会问题。于是，设计变得离不开民生问题，节能与环保的概念也开始流行起来。
工业设计由“厚重长大“转向”轻薄短小“，从单一的量产变为多品种少产量，“便携”一词开始出现在大众视野。这一改变离不开当代年轻人所追求的生活潮流的影响。
团块世代的生活方式
—
团块世代：
指日本战后第一个生育高峰期
（1947－1949年）
团块世代引领着日本生活潮流，针对这批年轻人的设计开始大放异彩。
“个人主义”
便携与便利的发展
70年代，收听音乐以及各地的FM和世界短波成为新的潮流，收音机、音响等设备开始畅销起来。这些产品都赋予了“个人使用”的属性，从60年代“一家人拥有”变为70年代“人手一件”。
▲1970年 | 索尼TR-1825收音机
袖珍相机的出现
第一台袖珍相机：奥林巴斯XA
▲1978年 | 奥林巴斯XA
袖珍相机一出现就受到大众青睐，小巧、便携的机身可以放在口袋或手提包里，成为新的家庭必需品。
新年轻人文化——电子游戏
▲1978年 | 太空侵入者
70年代后期开始流行新年轻人文化——电子游戏。在游戏厅，甚至在茶馆你都能看到年轻人在玩电子游戏，而1978年太东公司的《太空侵入者》，在当时十分火爆，成为射击游戏的先驱。
Video Game Sales Wiki曾发表过史上最卖座游戏TOP 10表单，《太空侵入者》竟以139亿美元的收入位列第一。
回看二十世纪七十年代的日本设计，看似平淡的十年间，各个设计领域都在解决民生问题。回归到我最初的问题：设计的重要性，是体现于“轰轰烈烈”，还是“平淡是真”呢？在我看来，设计最重要的是以人为本，解决生活的痛处，当然，也需要适时做出实验性的设计，以此刺激行业的良性发展。
成年人的世界里，没有绝对的对错之分，只是有定制规则的人罢了。
本系列内容参考
内田繁著 | 张钰译《日本设计六十年》
资料来源：https://taiyounotou-expo70.jp/tc/
维基百科
部分图片源于网络
—
