让游戏界面中的图形更美
以下是近期的读书心得，及部分工作体会，总结成文字跟大家分享
前言
生活如潮，潮有起伏，不会尽如人意。对我来说，读书最大的好处是，保持一颗安静的心去面对生活中的波澜。
除此之外，还有一个很实在的好处：在工作中被某个难题困扰时，我会想起某位作者，某位艺术家，或某位设计师，如果是他，他会如何处理？
正如《STEAL LIKE AN ARTIST》作者所说：那些逝去的或遥远的大师的最大优点在于，他们不会拒绝你这个学生。你可以从他们那里学到任何你想学习的东西。他们已将自己的“课程计划”融入作品中。
一 美的缘由
●无理
原始人制作绘画和雕塑用来行施法术。原始的狩猎者认为，只要他们画个猎物，再用他们的长矛或石斧痛打一番，真正的野兽也就俯首就擒了。
_马，约公元前15000_前10000年，洞窟壁画
_法国拉斯科山洞，约公元前15000_前10000年
●永恒
古埃及艺术家在墓室墙壁上用绘画记述死者生平。古埃及的权贵死后，让他的仆役和奴隶陪葬。后来，这种行为被认为太过残忍和奢侈，于是艺术就来帮忙，用图像代替活生生的奴隶。
_克努姆赫特普墓室壁画，约公元前1900年
●理想美
古希腊艺术家追求理想美，用理性和数学逻辑展现美，情感也有所克制，他们的作品多服务于神话。《拉奥孔》的故事：特洛伊城祭司拉奥孔警告同胞不要收下藏有希腊士兵的木马。诸神看到他们毁灭特洛伊的计划遭到挫折，就派两条蛇从海里游出把这位祭司和他两个不幸的儿子缠住憋死。
_拉奥孔父子，约公元前175_前50年
●宏伟
古罗马建筑追求宏伟，开始使用弧线和半圆拱门，更强调实用性和纪念性，以及给生活带来便利，并且希望艺术可以弘扬力量和荣誉。正是那些古迹废墟使后世很难忘记“宏伟即罗马”这句话。罗马人也想宣扬自己的胜利，报道战事的经过，使用希腊艺术几百年来的技法为他们的战功记事。
_罗马圆形大剧场，约公元80年
_罗马的图拉真纪功柱，约公元114年
_上图局部，约公元114年
公元311年，君士坦丁大帝确立了基督教会在国家中的权利。基督教会开始在世俗社会中占统治地位。早期基督教徒几乎一致认为，教堂内绝不可摆放雕像。因为雕像跟《圣经》里谴责过的木石偶像和异教偶像太相像了。但他们对绘画的看法不同。6世纪末的格列高利大教皇认为：许多基督教徒不识字，为了教导他们，图像就跟给孩子们看连环画一样有用。这样以来，艺术便成为宣扬宗教教义的工具。
●神圣
下图出自拉韦纳[Ravenna]的一所巴西利卡教堂，讲述的是福音书中的故事：基督用五个饼和两条鱼给五千人吃了一顿饱饭。基督是一位穿着紫色长袍的年轻人，向两边伸出手臂祝福，站着的两个使徒正递给他饼和鱼，以便实现奇迹。基督为什么坚定地直视着观看画的人：基督要喂养的人就是这些观看者本人。
_面包和鱼的奇迹，约公元520年，镶嵌画
哥特最早是贬义词，意大利人用来嘲讽德国人的建筑。哥特的玻璃窗画，讲述着基督教福音故事。将教义和故事通过图像讲给不识字的人。五彩斑斓的玻璃画，在光线的折射下，营造一个神圣的空间。让信徒在天国里感受天国的召唤。
_爱丁堡圣吉尔斯教堂，玻璃画
文艺复兴之前，西方社会普遍认为艺术是一门手艺。艺术家是工匠，跟做家具，鞋子的人没太大区别。所以文艺复兴之前的艺术家很少留下自己的姓名。他们的地位远不及作家和诗人。因为当时的人们认为戏剧和诗歌可以进化灵魂，绘画只是讨好人们的视觉。
●觉醒
13世纪~16世纪末，文艺复兴时期的人文主义标志着人们从神的世界回归到人的世界。人们不在追求来世的救赎，开始关心当下的感受。艺术家们开始注意个人影响力，在稿件上签名，目的是为了接到更多的订单。高手们甚至会在客户定制的稿件里画自画像。这些都标志着艺术家们的自我意识开始觉醒。科学，知识，思想等多重身份。药剂师行会。满足雇主的要求。
达芬奇的关键词：科学
_莱奥纳尔多，最后的晚餐，1495_1498年，石膏底蛋胶
蒙娜丽莎不是人名，蒙娜是意大利单词“夫人”的缩写，蒙娜丽莎是丽莎夫人的意思。
_莱奥纳尔多，蒙娜·丽莎，约1502年，木板油画
米开朗琪罗的关键词：雄伟
米开朗琪罗，西斯廷礼拜堂天顶画，1508_1512年，湿壁画，13.7m×39m
米开朗琪罗，创造亚当（上图局部）
米开朗琪罗认为，人体是上帝创造最完美的艺术品，更愿意称自己是雕塑家，他的人体雕塑理念是将灵魂从石头里解放出来。
米开朗琪罗，垂死的奴隶，约1513年，大理石，高229cm
拉斐尔的关键词：优雅
拉斐尔，大公爵的圣母，约1505年，木板油画，84cm×55cm
拉斐尔，教皇莱奥十世和两位红衣主教，1518年，木板油画，154cm×119cm
●激情
宗教改革产生了巴洛克艺术。巴洛克早期是贬义词，意思是：不完美，不规则的珍珠。巴洛克追求夸张的动作，强调力量和戏剧性。鲁本斯被称为巴洛克之王，喜欢用古希腊神话元素宣扬宗教。画作多用来满足上层社会的享乐需求。
_鲁本斯，和平赐福的寓意，1629_1630年，画布油画，203.5cm×298cm
通过宗教，洛可可风格传到了美洲，东南亚，大清王朝。圆明园的西洋楼就是巴洛克建筑。
圆明园西洋楼遗址
●柔美
殖民活动让资产阶级日益强大，贵族阶级日益衰落。18世纪末资产革命爆发，激情的巴洛克艺术发展出精致柔美的洛可可艺术。柔美，S形，漩涡形为这个时期艺术作品的主要特征。题材多描述资产阶级儿女情长，情爱挑逗的场面。
_让·奥诺雷·弗拉戈纳尔，约1767年，布面油彩，81x65cm
●理性
新古典主义吸收了古罗马对英雄主义的倡导，吻合法国革命派的需求。回到古罗马的理性秩序，宣扬资产阶级的新秩序：自由，平等，博爱。当时的人们觉得自己生活在英雄的时代，他们的当代事件跟希腊和罗马的历史事件一样值得画家注目。
_雅克-路易·大卫，马拉之死，1793年，布面油画，165cm×128.3cm
●感性
浪漫主义对超自然，神话充满兴趣。主张突破规范，自由表达情感，强调艺术的个性和激情。对描绘幻想和虚构的事物。
_戈雅，巨人，约1818年，飞尘蚀刻法，28.5cm×21cm
●现实
写实主义主张眼见为实，忠实的描绘看的见的生活。一方面反对古典主义，觉得他们太老气，另一方面，又排斥浪漫主义，觉得他们脱离现实，不接地气。代表画家库尔贝说：“我从来不画天使，因为我从来没看过天使”
_库尔贝_“库尔贝先生，您好”，1854年，布面油画，129cm×149cm
19世纪之前，艺术家通过自己的作坊，承接私人订单进行创作，所以很多时候为了让雇主满意，不得不妥协。后来，艺术市场的出现改变了这一状况，艺术家可以通过中介性质的画廊出售作品，解决温饱问题，又不用看别人脸色，便可发出自己的声音。一些艺术家开始“离经叛道”。
●挑战
印象派的开山鼻祖马内，挑战了当时人们的观念。1863年，他创作的一幅画布油画《草地上的午餐》，在当年的沙龙展出中引起了极大反响。之前，只有神可以画成裸体，而马奈在这副作品中却打破常规，破天荒的将普通人的形象描绘成裸体，这在当时是极其反叛的一件事情，被当时的人们斥责为低俗，并不被社会所认同。
_马内，草地上的午餐，1863年，布面油画
印象主义继承写实主义，他们的区别在于：写实主义有主观立场，像新闻纪实摄影。印象派是中立的客观立场，像纯粹的风景摄影。
印象主义早期是贬义词。1874年，莫奈，毕沙罗等人举办了一次与官方沙龙展抗衡的画展。评论者看到《印象日出》后，讽刺这次展览是印象主义者的展览，印象派因此得名。
●客观印象
印象派不关心作品蕴含的思想，而是再现眼睛看到的光线和色彩。为了捕捉稍纵即逝的光线和印象，画家们的画显得很赶时间，跟传统绘画比起来，看上去像草稿。所以，当时的评论家称他们是印象主义者。他们的作品也因此充满了空气中通透的朦胧感和绚丽的色彩。
_莫奈，印象·日出，1873年，布面油画
塞尚，高更和梵高的作品后来在英国举办了一次画展，被叫做后印象派。后印象派是对印象派的反动，更加强调内心世界的表现，根据直觉重新组织绘画的线条，色彩和结构。为了表达主观情感，不惜夸张和变形。
●主观印象
塞尚参加两次印象派画展后，觉得印象派是对浮光掠影的捕捉，缺乏深刻的思想性，再加上很多评论家对自己的画存在偏见，所以塞尚隐居单干了。塞尚喜爱探索事物的结构，希望通过几何形体对世界进行归纳整理，需要边画边思考，速度很慢。塞尚脾气暴躁，模特稍微动一下，他就会骂大街。所以他的作品更多是在表现静物和风景。
高更23岁成为股票经纪人，35岁辞去银行工作致力于绘画，是《月亮和六便士》伦敦证券经纪人思特里克兰德主人公的原型。为了省钱，先后跑到了布列塔尼，巴拿马，马提尼克，塔希提等岛屿进行创作。在1893年11月举办的《塔希提人》画展收入是零，彻底失败后，嘲笑声让他回到塔希提。因性生活放纵，他染上了梅毒，病魔和家庭丧女的不幸使他想到自杀，得救后画出这幅传世杰作：
_高更，我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？，1897年，画布油画，95.1cm×130.2cm
梵高对大众来说，在后印象派中名气最大。在法国南部，梵高和高更一起画画，两人经常吵架，在精神错乱中，梵高割掉了自己的左耳。在精神病折磨期间，画出了很多感动人心的名作。
后印象派画家生前不被认可，死后却受到重视。影响了现代主义艺术。现代主义艺术是个笼统的概括，20世纪的流派和风格太多。他们的共同点是反传统，传统指的是古希腊，古罗马以来西方的古典艺术。
●反叛
毕加索风格多样，变化非常大，他对艺术风格的不断探索，几乎是整个现代艺术的缩影。在一次塞尚的回顾展上，塞尚对几何形体的探索，引起了毕加索的兴趣。
20世纪，美国名流斯泰因夫人，也就是伍迪艾伦的《午夜巴黎》中主持沙龙的女同性恋者。这位赞助人思想前卫，几乎无条件的支持毕加索在艺术上的探索。毕加索把他从塞尚那学习的几何形分析法，和他从非洲面具得到的启发融合到了一起，创造出了著名的《亚维农少女》。在这幅画中，他甚至直接把面具画到了人物的头上，所以大家会看到几个丑八怪。
_毕加索，亚维农少女，1907年，画布油画
以上是西方美术史微小又微小的缩影，粗略地梳理一遍，是为了便于自己理解和记忆。
粗略地翻阅西方美术史，不难发现，美的背后有一套它们自己的运转规律：
美有“服务”的对象：比如，原始时期的艺术为巫术服务，古埃及时期的艺术为王朝墓穴服务，古希腊时期的艺术为神话服务，古罗马时期的艺术为政治服务，中世纪时期的艺术为宗教服务，文艺复兴时期的艺术为宗教及雇主服务......
美能体现时代风貌：比如，原始时期洞穴画的神秘，古希腊雕塑的完美，古罗马建筑的宏伟，哥特教堂玻璃窗画的神圣，文艺复兴时期的科学......
以下是我平日在设计工作中对美的疏浅理解：
二 图形里的故事
●故事
界面图形上的好坏，不能对游戏的整体体验做出根本性的影响，但优秀的图形与玩家的心流曲线同步，可以抓住玩家注意力，让玩家通过图形感受到强烈的代入感。没有含义的图形，就像没有灵魂的躯壳。这种图形无法与观者产生心灵的碰撞，如果观者连这细微的情感都感受不到，就别提进入心流状态了。
对一款有固定粉丝群体，运营成熟的游戏产品而言，好的图形设计不是由设计师独自创造出来的，而是图形自己通过设计师对游戏内容的理解，对游戏美术风格的提炼之后，主动浮现出来，形成概念，凝固成图像。通过这种途径形成的图像，往往能在设计师的专业度，雇主的要求，玩家群体之间都能取得不错的效果。设计师更多的职责在于传递情感，而图形的叙事性是传递情感的重要载体。
上图的视觉灵感源于游戏内李渡城的战场玩法：通过战场内的厮杀，人和僵尸的身份可互相转换......彼岸花的含义刚好符合视觉主题。如果彼岸花真的可以唤起死者生前的记忆，慕容追风便不必时时刻刻背着已经变成僵尸的亡妻。饱经沧桑的悲情英雄，也不必孤身一人游荡在风尘飞扬的大路上。
做为玩家和游戏产生互动关系的纽带，有美感的图形起初是无形的，它是一股像暗流涌动的情感，通过设计师对图形的理解，逐渐浮现在画纸上。再通过设计师的高度概括能力，逐渐定稿。有美感的图形是直观的，和文字一样，容易被观众记住。有美感的图形是抽象的，不同于文字的直接表意，可以让观看的人产生不同的联想。
●情感
三十根辐条汇集到一根毂中的孔洞当中，有了车毂中空的地方，才有车的作用。揉和陶土做成器皿，有了器具中空的地方，才有器皿的作用。开凿门窗建造房屋，有了门窗四壁内的空虚部分，才有房屋的作用。所以，“有”给人便利，“无”发挥了它的作用。
图形是可以看的见的，情感是看不见的，需要用心感受。如果把图形比喻为“有”，那么情感的传递便是“无”。对游戏界面设计而言，图形存在的意义是便于使用，而情感的传递才真正的发挥了作用。
当整体的游戏界面里的情绪足够充沛时，弱化图形在整体界面的存在感，衬托界面的整体气氛，尽量减少阻碍玩家沉浸感的干扰因素，只强调最重要的功能，除此之外，所有的图形都为突出意境而刻意弱化，从而让整体界面更加空灵。
三 设计的靶心
为谁设计？
当不能确定这个问题答案的时候，我会想到自己老东家的经营理念:一切以用户价值为依归。当面对团队内部各种声音，设计一筹莫展的时候，这句话总能指引我，剥开迷雾，找到设计的靶心。
●美
在我看来，在游戏设计团队中，界面图形设计师存在的核心价值是让界面更美，从而帮助团队提升游戏体验。所以，首先要瞄准的设计靶心，就是如何让自己绘制的界面更美。
美是一个非常宽泛的字，正如开篇所讲述的艺术极简史一样，美有很多缘由：原始，宏伟，神圣，狂野，酷炫，可爱，甜美，怪异......都可以作为自己设计的靶心。
影响美的因素有很多：点，线，面，版式，图形，字体，配色......通过对不同元素的把控，逐渐找准内心追寻的美感。这些需要时间的积累，考验设计师对理想效果的把控力度。
●雇主
前阵子设计师们自嘲时称自己为美工，称自己为美工时，内心真实独白应该是:我不是油漆工，我是设计师。这阵子流行出一个新词，叫佛系设计师，应该是另一个自嘲的词。自嘲可以缓解气氛，是个调整心态的好方法！但若从根本解决问题，只有一个途径，就是设计出优秀的作品并让对方满意。这也是设计的难点所在，要照顾对方的感受。照顾对方感受，就难免产生修改和反复，而“对方”可能包含了几个角色，比如用户，上司，雇主，客户等，要从中找到平衡点，在此基础上，极力发挥专业度。
在这过程中，修改自然成了设计师不可避免的痛楚。避免反复修改的方法，只有一个，就是先不断的颠覆自己。颠覆自己的过程，是为后续的设计试错，尽可能将可能产生的结果，和背后的逻辑梳理清晰，筛选为备选方案。
这样以来，既可以让自己的设计更有说服力，也可以让对方安心地在备选方案中做出选择。对方既参与到设计过程中来，也让你的设计变得更有效率。在沟通过程中，给客户做选择题，往往比给客户做问答题更有效。
接下来以《剑网3》资料片世外蓬莱logo为例，做进一步说明：
设计初期是考验设计师独立思考能力的重要环节。了解新资料片中新门派蓬莱的故事背景：东海之上，乃法外之地，岛民生活封闭，不受外部皇朝更替影响。伞和海雕是蓬莱的武学套路，蓬莱武学传承千年，由战国第一智者鬼谷子首创，方家历代传承，方家以精钢伞结合海上猛禽雕为技击套路，独步东海。
第一步，按上述设计逻辑，绘制一批草稿。从草稿中挑选了6种可能进行深入，给到制作人进行选择：
在这一步，团队和制作人没有确认明确的选项，希望logo中能出现伞元素。虽然没能一次通过，但大家一起确定了色调，在设计进度上，也算取得了一些进展。
第二步，继续深入了解蓬莱门派的故事背景，从意境出发，寻找创意点。进一步确定靶心，缩小选择范围，给出制作人以下选项：
两个方案比较起来，团队内部更喜欢方案二的气势和格局。画中有诗，画外有画的意境，也更贴切蓬莱门派世外仙境的主题。配合设计说明，制作人也痛快地选择了方案二，这个logo就这样顺利定稿了：
●玩家
对于一款在市场上运营成熟的游戏产品来说，这个设计理念十分有效。运营成熟的游戏具备一个优质条件：成熟且具有规模的玩家群体（以下简称用户群体）。从用户群体可以获取不少有价值的声音，如何获取有价值的声音？是另一个重要的课题，甚至是另一个专业范畴。做为一名游戏视觉设计师，若能感受到这个群体内心的声音，在设计上更容易找准靶心。
大厂商喜欢做用户调研 （以下简称CE）。但在我看来，CE结果未必是用户的真实声音。
和摄影中的摆拍一样，拍摄过程中，模特会刻意表现出自己最美的一面。同样道理，CE多了一个有“仪式感”的程序，玩家得知自己是调研对象后，在 CE过程中难免多出一丝心理戒备。如何获取用户最真实的声音？和纪实摄影捕捉最真实的图像一样，去游戏的各大论坛收集玩家反馈，直面残酷的吐槽内容，也许是更有效的途径。
若能获取真实的玩家诉求，便可按以下步骤，逐渐完善工作：
玩家诉求>团队评估>设计制作>团队认可>玩家认可
以上步骤和斯坦福大学 Design School所倡导的设计思维步骤不谋而合：
同理心>需求定义>创意构思>原型实现>实际测试
若能正确理解这个设计闭环，在今后的工作中，便可更加轻松自如的面对此类设计需求。在实际操作过程中，一些设计师常常不会寻求设计需求的源头，这个坏习惯可能会浪费整个团队的时间，甚至会出现南辕北辙的尴尬情况。遇到这种情况，便要努力改变现状，扭转自己的工作思维。 若不清楚的认识需求来源，就不会想接近这件事情的本质，进行理性思考。从而无法做出自行判断，不免被他人的表面分析牵着鼻子走。
动手之前先整理思绪，其中包括雇主的思绪，玩家群体的期待。明确雇主的意图，了解玩家的喜好，加入个人的创意点，极力追求专业度。对商业设计而言，在这三者都能做到最优状态的话，就会是一个好的设计。
四 设计中的中国传统美学思维
美从哪里来？
美是哲学在艺术领域的延展。从古希腊柏拉图，亚里士多德开始，西方哲学家一直在探究世界的本源和人如何认识世界的问题。柏拉图认为：我们就像生活在洞穴里的人，看到的都是火光照射外面世界留下的影子，我们在洞穴里待了太久，会认为那些影子才是真的。另一种观点刚好相反，比如马克思认为：我们的眼睛看到的都是真实的。
从而形成两种主要的哲学理论，也就是人们常说的唯心论和唯物论。
在西方世界，两种哲学观念影响了艺术家们的两种美学追求：一种是以希腊雕塑为代表的对理想美的追求，人体的比例都符合黄金分割数学比例。另一种是以科学为依据，对真实世界的模仿，比如文艺复兴时期的达芬奇，为了研究真实的人体结构，而去偷尸体回家解刨。
虽然这两种哲学观念是对立的，但在西方美学世界里有一个共同观念：人和世界是分割对立的。人要么努力寻找完美世界的和谐比例，要么努力去学习和模拟自然。
在中国却完全不同。在先秦百家学说中，对中国影响最大的哲学为儒家和道家。在宇宙观中，儒家和道家是相通的，都认为宇宙是由阴阳两种气相融相生。每一样事物都是由不断运动的阴阳二气交织而成，动物是这样，植物是这样，人也是这样。所以，中国传统美学中，人和动植物一样，是可以和宇宙万物融为一体的。儒家的“天人合一”，道家的“道法自然”，说的都是人可以和宇宙万物融为一体。
●虚实
“虚”可理解为人的品格，思想，感情，想象等抽象事物，“实”可理解为客观事物，具体的艺术作品，比如雕塑，绘画，书法等。虚实结合，指的是化景物为情思，用具体可见的媒介，传达抽象微妙的情感。
以书法为例，同样一个字，可通过结构，韵律，笔锋的不同，看出一个人的性格。书法家可通过笔划的轻重，结构的疏密，行笔的缓急表现情感和胸怀。
唐代书法家张旭，他为人豪爽，喜欢饮酒，常在大醉之后创作书法。他的代表作品《肚疼帖》豪放癫狂，有泰山压顶的气概，奋笔疾书让人看了惊心动魄。为何会有惊心动魄的感受，原来这幅作品是作者肚子疼痛难忍的时候创作的。原文是这样写的：忽肚痛不可堪，不知是冷热所致，欲服大黄汤，冷热俱有益，如何为计，非临床。大概意思是：忽然肚子特别疼，不知是着凉了，还是热着了，决定去喝大黄汤，不管是冷是热，都有效。
知道文字的意思后，再看这幅《肚疼帖》，就不难想象当时作者的肚子得有多疼了吧！
●意境
虚实结合产生了意境。
比如诗的意境在于，诗人将情感寄托于诗句，传达出情境交融的意境。不同的情感，可让同样的客观景物传达出不用的意境。同样一枚月亮，李白的“举杯邀明月，对饮成三人”传达出了孤独寂寥的意境，而王维的“明月松间照，清泉石上流”又是一种恬静淡然的意境。
画的意境同样要寄情于思，借景生情。朱耷本是皇室后裔，朱元璋的后代。明朝灭亡后，削发为僧，成为亡命徒，后又改信道教。他一生坎坷，几度精神失常，痛定思痛后，他选择背过身去，与世隔绝，在创作中安放自己孤独的灵魂。所以他的鸟和鱼，看起来孤独，冷峻，怪异，就连签名八大山人，看上去也像哭之笑之。
●气韵
不同于西方美学中的科学计算，中国传统美学更在于气韵的传达。在中国传统哲学观念中，万物是阴阳二气的结合，阴阳二气是生生相息，不断流动的，气韵指的是这种流动的节奏和韵律。有美感的图形，不仅在于把握事物的外形，更重要的是传达事物的气韵，创作过程中，忘掉自我的存在，把自己融化在创作的对象中，留给观者更多地想象空间。
●诗意
诗同样是意境的载体，诗人通过优美，律动，有画面感的文字传达内心情绪。诗中的文字，像音乐一样，可以听出和谐的节奏；诗中的文字，像图画一样，可以构建出想象的空间。所以优美的诗中含有音乐，含有图像，图像中同样可以感受到诗意的存在。
后记
我读书有个很大的毛病，就是头看后忘。
文中一些观点不是由我发明创造，而是引自不同书籍。我把对自己工作和生活有影响的观点，理解一遍，再通过键盘敲了出来：比如，“设计需要经受雇主和市场的考验，不然就构不成设计活动”的观点，引自田中一光的《设计的觉醒》；再比如，“动手设计之前，要像医生诊断病人一样，和客户聊天，并对重要信息进行分析整理”的观点，引自《佐藤可士和的超整理术》；又再比如，“在中国传统美学中，人和动植物一样，是可以和宇宙万物融为一体”的观点，引自宗白华《美学散步》。
中国美学博大深远，文中对中国美学的描述连皮毛都算不上，但在工作实践中慢慢去领悟，能给我带来不少启发。文中的游戏界面设计稿件来自我平日工作内容，版权归西山居游戏工作室，引用请注明出处。
参考书籍：
《美学散步》宗白华
《流形》叶锦添
《艺术的故事》E.H贡布里希
《STEAL LIKE AN ARTIST》Austin Kleon
《设计的觉醒》田中一光
《佐藤可士和的超整理术》佐藤可士和
最后祝自己和朋友们每天都能过得充实美好！
