观展记录 | 2019香港巴塞尔艺术展

#A【为什么而看】

想看看艺术大师们在干啥/灵感输入一下/听起来很艺术很厉害/顺便去香港买买买/接受一下艺术熏陶/去完发个圈/感受一下艺术作品的魅力/有可能遇到吴彦祖/见识一下。

“槽点满满的现场，导向标识混乱，超长队伍，二维码应用片面，现场核对机制，工作人员少，网络购票限制，没有印票机。”听完比我早看展同学的现场报道，及时去最近的k11柜台取票，机智满分。

#B【看到了什么】

首先，印象很深刻的两个作品

第一个是在展会上看到插画，只觉得好喜欢这超现实主义的插画，印象深刻。回来深八后发现不仅仅是插画，她在作品中还探寻了VR 技术。

伊克斯大门（Ixian Gate）VR 预告片

视频来源https://v.qq.com/x/page/s0321g01vlh.html

这件名为《电子全景》（Eclectrc Panoptic）的全新装置作品，是艺术家杰斯·约翰逊（Jess Johnson）与爱丁堡数字娱乐节（Digital Entertainment Festival）合作的全新项目，艺术家的灵感正来自弗兰克的小说，以及亚历桑德罗·佐杜洛夫斯基（Alexandro Jodorowsky）的超现实视觉风格。

第二个让我印象深刻的是听作者本人在展品前聊作品，他说“倒茶本身是一个很普通很日常的行为，实际上没有什么意义的，但是通过这个无意义的行为却又出现了有意义的视觉呈现，就是我这个作品的意义，用一个非常日常的行为展现出非常不日常的艺术形式”他用倒茶这个日常的行为，把茶渍印在超大尺寸的宣纸上，形成了深浅不一的阵列图形，再把长长的宣纸悬挂在展区上，现场的视觉效果个人觉得是很惊艳的。

上茶系列的艺术创作则是对水墨问题的终结，彻底走出水墨，通过一个本来非常纯粹，又无直接意义的装置行为，传达超越日常观念的思想认识，所呈现的是一种重新认知的形而上的有无关系，并探索其置于不同自然文化语境中的多重关系与可能性，以及他在新的时代背景下对当代艺术问题的思考。听完后的我脑壳胀胀的“嗯嗯，好有道理，呃……行”

#C【试图总结一下里面的“套路/惯用手法”】

展览后回去相机和手机上一共拍了623张照片，脑壳都晕了，我到底看到了什么？这么多的作品有没有可以提取的“共同点“呢？

01【 抽象色彩】

色彩的呈现，在我看来是超越种族、地域、环境、语言等各种因素的“无障碍沟通”——不管是否了解到作者真正的创作意图，都能被色彩强烈的感染力而吸引。当然，每个人对色彩的偏好定义都各有不同，哪怕对同一个作品每个观众的感知都不一样，而这也是我对这些大胆张扬的色彩着迷的原因。

你觉得是怎么样的

但我觉得是这样的

嗯～各种各样的观感真美妙

这些作品前拍照的出片率真是杠杠的，拍照特别上镜，刷爆票圈

02【 文字符号】

文字在艺术创作中不同于图像，图像从一开始就和艺术的表达有着不解之缘，也一直是艺术作品中的主角。但越来越多的当代艺术家们开始着迷于用“文字”去创作，而艺术作品里的“文字”就不仅仅只是文字本身的沟通记录的原本意义了，它比我们的日常使用承载更多作者希望向世界传达的含义。而此时，“文字”也成为了另一种“图像”。

这个酷酷的作品“There’s a work in that”让我想起很多有趣的故事。

在西方艺术史中，杜尚是出了名的爱在作品中玩“文字游戏” 的有趣灵魂。1917年，他把买来的小便池作品《泉》匿名送到展厅之前，还在小便池上写下一行字：“R.MUTT 1917”，并拍摄了正式的作品照片。这个关于《泉》的作品在当时艺术圈引起了空前的讨论“这到底算不算是一个艺术品？”如果当时有微博，估计就是个热搜了。

或许小便池本身并无特别之处，甚至不是作者本人“亲手所做作品”，只是大批量生产线上的众多小便池中的一个，但杜尚用文字将其带入到了艺术的语境。不管《泉》在你眼中算不算有价值艺术品，但它在所处的时代背景中，对艺术领域的开拓有着不可比拟的地位。

03【 极端尺寸】

在这个超出我们平常认知尺寸的超大“毛线帽”，很多路过的大朋友小朋友都跑搭配帽子底下拍照。哇，原来平平无奇不起眼的毛线帽摇身一变，放大到我们无法忽视的尺寸后，变成了艺术作品。

这个由剧院帆布、画作、光管创作成的《剥夺》，给我们展示了一个正在瓦解坠落的天空——皱褶重重呈现未完成状态的巨大画布，挤在小小的空间中，被遗弃而未能圆满落幕的状态。

原本仰着头垫着脚都触碰不到的天空，忽然以超出我们认知的尺寸坠落呈现在眼前。

《刷新、牺牲、新卫生、传染、清新、机器人、空气、家政、家务帮、香港、dyson、现代人》这是一组巨型餐具的雕塑物件装置作品。作品希望探讨卫生的概念以及形式上的现代演进，透过雕塑、表演朗读形式，给观众提供多层次的演绎。

被放大到可以把成年人装下的巨大的餐具，把日常中可能忽略的物件以无法忽视的尺寸出现在眼前，也许正如作品希望我们去探讨的 ——也许容易被忽视的却需要关注的。

04【材质对比】

将轻与重（材质）软与硬（材质）  流动与静止  （状态） ，大与小（形态） 哑光与反射  透光与不透光、可反射等等对比的手法注入到作品中，视觉角度使其呈现极大程度上刺激感官，颠覆平常的认知。或者有些更深层次的东西隐藏在里面。想要飘起的气球，飘起却漂不出这个空间，被囚禁于此。海浪不在翻滚 究竟是定格当时瞬间的汹涌还是暗藏危机？

05【镜面语言】

镜子里的是真实空间  还是 我们处于真实空间？没有可能 我们才是镜子里的世界吗？镜面后凝视我们的才是真实的自己

我们在画里/作品里看到了什么？镜面要反馈给我们的信息是怎样的？真实的？重复的？错位的？扭曲的？是规律形变（如巨型万花筒）还是随机形变?   /上图摄于2015年/上海龙美术馆/展览作品/

06【维度转化】

画面里挂着的彩色装饰画 是二维平面，画中的人在看画 是三维空间。整幅画又是一个二维平面。身处在展厅看画的我们和这幅画形成了新的三维空间。这是一个从二维到三维 再到二维 到三维的转化。作品在我眼中不只是一幅画，更是空间的思考，平面到立体的形变，人与画之间的互动亦是作品的出彩之处，将观众也变成他的作品组成内容。

整理到这里，似乎摸索出了一些规律，但心里还是会追问 ——【有用吗？价值在哪？到底卖了多少钱？】

VIP首日的6小时预展尚未结束，卓纳画廊便已传来展位所有作品均已售出，成交额接近1000万美元的消息

数据来源：http://www.sohu.com/a/304357499_278692

很多人看过作品之后满脸疑惑——这画得到底是什么？

这是什么乱涂乱画的东西呀？和我家几岁的小朋友画的一样的～？

虽然对某些作品做了功课去了解他们的“价值”，但还是被拍出如此高的价格惊讶了

但发现我惊讶早了

真正的“天价”大师作品价格在这呢～（美国抽象派大佬马克·罗斯科的一幅作品，在佳士得拍出了2.5亿的天价；马列维奇 至上主义构成 SUPREMATIST COMPOSITION在纽约苏富比2008.11 成交价6000.25万美元）

#D【何以天价】

/以下部分文字摘选自/意外艺术/公众号的文章内容，推荐喜欢的同学关注。非商业用途仅作为个人学习整理分享/

/推荐阅读文章https://mp.weixin.qq.com/s/PwpsN2y46OEmcHjNlp5CPA/

那些看不懂的艺术品，凭什么卖会这么贵？原因其实是它们突破了原有的艺术范畴，不再是传统技法去描绘的风景人物、具象物体表现的不是写实技法，而是打破规则的创意观念。所以不能用“像不像”，“能不能看懂”来评判。这种观念包含很多方面，其中两个非常典型的大佬：杜尚和安迪沃霍尔。

杜尚拿一个工业流水线生产出的小便池来参展引起这么大的轰动，跟小便池本身的艺术价值没有多大关系，重点在于它逼迫人们重新思考艺术的边界和含义——艺术一定是美的吗？艺术离我们的生活有多远？艺术的边界到底在哪里？

原来一百多年前的他们也曾和我们一样在疑惑，这种思考才是作品的意义所在

而1962年，安迪·沃霍尔展出他的《金宝汤罐头》也引起了巨大的争议。“安迪·沃霍尔到底是不是一个艺术家？”“《金宝汤罐头》是否有艺术价值？”32个罐头上硕大的商业logo让人无法忽视，安迪·沃霍尔的理念非常明显—— 商品的本质就是复制，艺术也可以商业化。艺术自诞生之日起，第一次如此紧密的和商业结合在一起。不仅如此，安迪·沃霍尔在把商业塞给艺术的同时，还把独一性从艺术的身上剥离。所以《金宝汤罐头》仅仅是一个开始，这个作品是安迪·沃霍尔借助投影仪手绘完成的。在之后的作品中，他尽量用机械复制的方式去完成作品。可口可乐瓶子、美元钞票、玛丽莲·梦露头像……这些我们在生活中常见的形象统统被安迪·沃霍尔复制、流传、符号化这整个过程，才是安迪·沃霍尔的作品，而不是某一幅画。

/段落摘选自意外艺术/

所以，在每个作品前复制粘贴我自己，也许也能算是一个当代艺术的创作吧哈哈