【站酷榜单·Top作品零距离】第350期

【站酷榜单·Top作品零距离】原作者带你解读作品背后的故事

首先很高兴能入选本期的榜单top作品，很开心也荣幸。其实作为一位自由插画师，我发布的作品一般都是我的个人练习与速途稿，没有太多的商业属性，毕竟当带入了商业属性，那这张画作的画面走向就不是你一个人说的算了，所以给大家分享出来的作品都是代表着我个人最纯粹的画面表达与艺术理解。

我的板绘作品一直都是用iPad来创作的，曾经也试着用过手绘板，但可能手绘板和我的八字不合，一直用不习惯。还有就是我对油画、水彩等传统架上绘画有着很深的情感，所以也能在我的板绘作品中感受到很浓烈的手绘感，因为对于我个人来讲，画板绘就是对手绘的一种延伸练习，它相对传统手绘来说能减少很多很多的绘画材料，使得画画变得更加方便。我最初的想法就是用传统绘画的思路在板绘中快速且大量磨练后，最后得到的绘画感悟反哺到以后的手绘当中，因为内心里爱的是传统架上绘画。

创作即兴式的速途作品是一项具有不确定性的任务，因为需要在短时间内做出决策，同时迅速表达自己的想法，我其实也有很多很多半成品的速途草稿，它们没有画完的多数原因就是绘画过程不够流畅，最初的想法和笔下表达出来的相差很大，导致没有了继续画下去的动力。所以，即兴创作通常要求迅速的流畅表达，但有时可能牺牲深度和复杂性。在短时间内找到流畅和有趣的表达方式，同时保持作品的效果与最初想法的一致性是一项挑战。克服这些难点需要练习、经验和对绘画过程的深刻理解。

除了上面说的，我认为以下这些情况也是难点之一：

1.时间压力： 创作速途作品通常有时间限制，这就需要作者快速思考和执行。时间压力可能会导致创作者感到焦虑，从而影响他们的创意流畅度。

2.决策负担： 即兴创作需要在短时间内做出许多关键决策，如颜色选择、构图、形式和用笔等。这些决策可能会让自己感到一些压力。

3.错误的处理： 在快速创作中，可能没有足够的时间来纠正错误，因此需要在不影响整体作品的情况下巧妙地处理潜在的失误。

其实，当讨论画作中的笔触细节和整体性时，我认为首先要知道到笔触它能给画面带来什么作用，而下面就是我对笔触的一些个人理解：

1.给画面带来了直观的表现技巧： 不同的绘画技巧会影响画面的整体效果。一些艺术家可能采用精细的、真实主义的笔触，以展示出色彩、光影和形状的微妙变化。这种方式适用于需要强调细节和精确度的作品。还有一些艺术家可能选择使用更为抽象或印象主义的笔触，通过模糊、宽松的表现方式来营造出整体的氛围。在这种情况下，观众的想象力和感觉变得尤为重要，因为他们需要从模糊的笔触中构建出形象。

2.给画面一定的视觉秩序： 我们可以通过笔触的变化来引导观众的视线。通过在画面的关键部分使用更为精细的笔触，他们可以在视觉上强调这些区域，制造出深度和立体感来引导观众的视线，帮助确定画面的焦点。然而，过多的细节有时也可能分散观众的注意力，使他们难以专注于画面的核心，从而失去了画面的主次区别。

3.让画面能够传达出作者的情感： 笔触的质感和方向可以传递出作者的情感。例如，急促的笔触可能传递出紧张和激动，而柔和的笔触可能传递出宁静和柔和。整体来说，这些细节的运用对观众的情感体验产生深远的影响，也能快速的让观众记住作者的风格特征。

当我们知道到了笔触的作用时，那就应该在作画前考虑好画面的秩序与视觉体验，学会放纵与克制，从而达到细节和整体之间的平衡感。当然这说起感觉很简单，就一句话，但需要我们大量的反复的去练习，才能找到其中的平衡。这是一门充满创造性和主观性的技术活，因此不同的作者可能会在这方面有不同的个人取向和实践，所以，我想没有标准答案才是对绘画艺术的最好诠释，用心去感受就好。

“礼合中国”是2023年由河南博物院策展筹备，联合全国8省26馆（院）于11月份共同承办的有关“商周礼乐文明”的专题文物特展，也是院方要参与“第二十一届（2023年度）‘全国博物馆十大陈列展览精品’”（类似中国电影界的三金奖）的主推展览，作为长期服务文博展陈的专业团队，自然十二分的重视。从前期概（投）念（标）设计提案到后期深（落）化（成）设计施工的周期也就个把月，这是大部分博物馆专题临展设计的共性特点：短（展期）、紧（资金）、急（时间）。

难点有很多，反复修改只是其中一项，懂的都懂...主页展示仅为最终稿样，实则前期已磨敲多次，色相明度、序厅结构、展标形式，屡次变化，尤其是后期柜内文物定位图与彩立面版式的对位式排版设计，确实费了不少时间。周期紧的情况下，沟通对接显得尤为重要，不管是外部（馆方领导与老师）、内部（项目经理与工人）、中部（展项材料供应商），信息不同步会造成返工浪费和工期延误。

此次展览的文物从早商时期到战国晚期，时代跨越千年，兽面纹作为青铜礼器的主题纹饰最为久远，主标字体结合了郑州商城遗址（早商时期兽目突出、身首相连、蜿蜒回旋）与安阳殷墟遗址的兽面纹（晚商时期有首无身、繁缛复杂、互不相连）。

大纲文案中各级标题及部分对应不同时代，作为装饰的纹样也应有区分，在字体的端头末尾，留白的底图侧边，我用不同色阶与明度作了区分和辅助，选用殷商至西周的凤鸟纹、云雷纹、连珠纹、牛头纹、夔纹、蝉纹、涡纹；春秋至战国的环带纹、蟠螭纹、蟠虺纹、交龙纹、波曲纹、夔目纹等等。

解读一个展览，最直观传统的手段就是图文展板视觉平面的信息传达，而帮助观众加深全方位的理解铭记，则是空间结构的形式调度与氛围营造，合理权衡文“物”与展项的主次关系，其实是每个展览的核心定位。

文物精品展不同于常规通史展和考古成果展，设计的减法与加法也要酌情采用。在柜内的图文版面上，大量减少无关的信息，只关注器物本身与诠释礼乐主题；而在部首的结构层次上，则作了多层的叠加构造，增强厚重感。形式设计也好，视觉设计也罢，都是为了主题而服务，里子面子，相辅相成。

先简单说一些传统的修图吧，就是在摄影师拍完的照片的基础上，把图修干净一些、精致一些，一般情况下我会带着学员一起做创作性的修图，这种可以提高大家修图的乐趣和积极性。

创作思路：首先拿到一张图，我会搜索查阅我的灵感库（花瓣网，站酷海洛，Pinterest,ins里关注的博主等)，也有时候会借助Mj SD等Ai工具生成一些有趣的素材。平时也会搜集除摄影以外的艺术家作品，例如雕塑，服装设计，美妆，装置艺术等。搜集的元素在后期工作中可能是发型的灵感，也可能是换装的灵感，总之摄影画面中每一个元素都可以去质疑它是否有更好的方案替换它。

修图的思路，我一般会根据照片品类区分流程。

（1）对妆面摄影的修图：我们把这个人物的基本的瑕疵处理干净。这个瑕疵不仅是皮肤啊，包括头发，背景，就是画面当中所有的这些像素。我们在视觉上面看它的排列，它的色彩过渡等都要做一些优化。接下来就会营造他的立体感或者空间感，这样让平面照片呢变得更加有厚度。那妆面其实你把这些这两点做好啊，当然基本的肤色也需要控制好。

（2）对服装摄影的修图：我们要弱化对人物面部的处理，要把重点放在整个人物的肢体形态上面，能更好的去表现服装的细节，线条以及面料质感。把修图的时间，从脸均匀到人物服装和背景，当然还有空间关系色调等这些细节都要照顾到。

（3）创作类的我们就可以不局限于任何的方向，我们更多的要呈现出它的视觉效果。不仅是在原片上进行雕琢，我们还可以借助像AI或者是素材库搜集更有视觉冲击力的元素玩合成，呈现出另外一种视觉效果。

总结来说就是照片的“型”“色”“质”，顺序也是如此型色是外表可以提前呈现出来，如果有更充足的时间就去追求质感品质。

修图的分寸可以理解为修图的力度。修图的表现方式其实有很多种，比如说把照片变扁平，那扁平是不是就是不好的呢？作品的风格可以是多种的，立体感和扁平都没有错，因为扁平是有很多这种艺术表现可以借鉴，像工笔、国画、漫画、插画等。这些都是比较二维的风格，装饰味道很浓。我们不局限于一定要把摄影原图通过后期把它变成一副摄影作品，也可以通过修图变成一个装饰性很强的类似画一样的平面作品。所以从分寸这个词汇来讲，站在一个摄影的角度可能是过度的，站在视觉角度看可能就是恰当的。

生活中我们在网上所看到的商业修图，一般会根据客户的需求来。我们平常接触的客户品类比较多，例如非常传统的汽车广告，我们就要去精益求精的去表现车本身金属材质质感，结构细节，包括合成光线的真实性、合理性；化妆品、服装这些品类，就要遵循自然合理的结果。那自然和合理之间我们怎么去评判？就像美和丑，我们怎么去评判这个问题？那我的经验就是先去把照片修干净精致，但不能破坏纹理结构。

很多时候这个度是我们和甲方之间磨合的过程当中得到了一个双赢的区间。当然了，不同的客户也会有不同的偏好，例如：有的客户他会喜欢自然的，有的客户更倾向于修图的力度更强一些的。所以“分寸”需要因人而异、因项目而异。毕竟修图就是一个服务性的工作，要根据甲方的项目需求来操作。所以我对“分寸”的理解是：从商业市场来讲的话更多是由市场决定的，无法脱离具体项目去判定。

那个人创作这一块根据自己的喜好做后期，可以保守一些，也可以跟摄影没有关系。开心就好！