一些关于创作方向的思考
一点心得分享给和我一样的迷茫的小画师。
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因为并不知道别人是怎么取得进步的，所以只能按照个人体验来说说，可能有点啰嗦。
进步对我来说，是迷迷糊糊、隐隐约约又非常突然地意识到一些东西的缺席。
这个被长期忽略的东西一下子变得非常醒目，因为我回看之前的所有的画作，“他”几乎都被无意识地忽略掉了。
为了更好的说明这个发现，需要先举个例子。
我一直不太喜欢明星的摄影棚“硬照”、“影视宣传照”（我对这些事物本身没有意见，只是举个例子。）
明星拍这种“硬照”时会在镜头前摆出无聊的POSE，职业性的假笑。
我理解这套工作流程，只是单纯地觉得这种照片对我来说并无任何吸引力，即使摄影师拍的再努力，明星笑得再甜，我也无感。
有时候为了避免呆板，摄影师会加入光影道具来增加画面的信息量，穿很潮的衣服，添上一些鲜花植物、宇宙星空，加上一束强烈的光，找一个很酷的场地之类的……这些手段可以很好地提高“氛围感”。
这也是目前很多画师在做的事。
“反正画面空着也是空着，加一些道具，提高装饰性。”
“脑袋空空不知道应该加什么，回忆曾见到某个大大画了些金鱼挺好看的，那我也加上几条金鱼吧。”
这个阶段画手创作是跟随画面、屈服于画面的。会去追求“好看”“丰富”“五彩斑斓”“冲击力”这种为视觉服务的东西。
如果这些道具不能为主题服务，不能帮助观众提升对画面的理解，只是一种弄潮装B的套路，那它们就仍是多余的，是用更浪费资源的方法来加深大家的视觉疲劳，供养画师的虚荣心。
在这个阶段的另一个体验就是时常感觉到“乏味”，越是努力勤奋地开新图，越是发现自己并不是真的喜欢这些画，忙了一大圈，反过来又觉得辜负了那些灵感，陷入自责，就这样进入一个不断自我消耗的循环。
就比如我在这一阶段打转了一段时间，就发生了本文最开始描述的那种“进步”。
逐渐意识到自己的问题并不是画面不够丰富，而是画面缺乏了一些更重要的东西。
所有的画手都在空间结构、线条、黑白灰、色彩这四个基石上建立梦幻，但是为何大佬们创造的世界能格外动人？
你遇见好看的画，过个几年时间再回来看，当初的那份触动你的美感仍然存在。
他们是怎么画出了“代表作”？
同样是这个明星，搭配相似的道具和环境，少数的摄影师却能拍出另外一种格调的照片。
画面上体现出丰富的情绪，让我们能通过照片认识到一个有魅力的人物，摄影大师有时候连人都没拍全，你却能看见画中人更真实的样子，挪不开眼睛，就是这么邪门。
透过这个例子向内观照，我们就能总结出一点点审美倾向。
绘画的世界如果是海洋、宇宙、银河……
那我们这些屁民画手是在天上漫无目的地飞，而太太们却都有一艘属于自己的“船”。
这艘船，你可以理解为他们的风格，也可以拆解成「具有辨识度的视觉元素」。
你想到喜欢的太太，往往会立刻想到TA们绘画风格的标志性特点，噪点、灰阶、某种特殊的颜色、五官设计、动感的线条、画面层次感等等……
视觉元素多如繁星，哪类用好了都会制造美感。
可小白画手的问题是：日系国风儿插欧美，哪个风格我都喜欢，无数的配色需要尝试，1000种笔刷我先存起来……我们就这样飞着飞着迷失了。
而太太们则摇着自己的小船，一直朝他们的目标前行。
擅长画古风人物的太太不会抛弃古风突然去画科幻。
可是小白画手却勇于上天入地，穿越所有的绘画宇宙去冒险。
到这里我说明一下，我不是在建议大家立刻选择一个风格并且严格执行，我绝对没有这个意思。
因为飞起来巡游天地也是绘画成长的必经过程，对初阶画手很重要。
直到有一天，你感到这种巡游不再能得到成就感，只是加深你的困惑，那时候才需要去找到那艘属于自己的船。
元素服务于表达。
比如有些电影导演很喜欢拍镜子里反射出来的人物，另一些喜欢拍摄水面的浮光，还有人喜欢拍摄火车、白鸽、火焰等等，这些元素成了他的视觉元素，久而久之，就形成了属于TA的符号，但是这些元素不能构成电影。
电影有探讨的主题，才会选择适合的元素。如果你用心观察大佬的作品，会发现他们的作品也都有着明确的艺术主题。而他们的视觉元素最终都服务于他的自我表达。
那么，你想探讨什么主题？
你的船不大，不可能什么都想要。
我们不能无限的画下去，人生和精力是有限的。你计算过自己一辈子大概能画多少画吗？
你会做很多次的“航行选择”：
想画的是未来、过去、还是现在，或者是完全混杂的幻想世界？
想画的是人、动物、风景、图案、或者其他？
想画的是明朗的、乐观的，还是灰暗的、孤独的？
想画的是宏伟的，是渺小的，是复杂的，或是简单的？
其实一次次选择就是在不断进行审美构建，不断完善画手的艺术世界观，再用画笔带来经过审美观过滤的图像。
那就是你的风格。
“人生没有白走的路，每一步都算数。”
套用这句话，我会鼓励每一个想画的更好的人：你画过的每一张图，都会带你去更远的地方。
有一些思考我现在说不明白，也写不出来，但是我应该会开始去找一艘属于自己的小船。
爱画画的人，运气应该不会太差吧。
