今天我们就来聊聊为什么你用的素材这么“老”。







你还在用这些素材吗,为什么这些素材一用就是灾难现场?






为什么有时候看似同样的素材,只要稍加修改就炫酷无比?

问题到底出在哪了呢?

今天我们就来聊聊为什么你用的素材这么“老”。






首先在某种程度上来说,素材的“老气”与艺术感是有关的。

越“老”的素材,它的艺术感越弱。





我们从来不会说一个老旧的事物或者经典的事物具有艺术感,除非它被改造了新的面貌。

我们才会觉得它特别有意思,有艺术感。






艺术一直突破,越突破原有认知的作品,在我们看来它的艺术感就越强。就像毕加索的作品《格尔尼卡》这种超现实主义风格当时在艺术界就引起了巨大的反响。






就像两把椅子,我们会更倾向把更多的目光,投到一把日常生活中没那么常见的椅子上。






而艺术史上,这么多艺术流派的产生,很多都可以用来说明陌生化理论。






比如现实主义派的画作都非常写实,把画面中任何的细节都描绘得非常真实。而当印象派出现时,很惊讶绘画还可以这样画,像一幅未完成的画作,但是又把自然里瞬间的色彩展现得淋漓尽致。






在设计上也同样的道理,从拟物化设计过渡到现在的扁平化设计,

在手机界面上来说,已经经历了一个时代的转换。






所以当我们现在回看这种拟物设计的时候,就会感觉是很“老”的设计。






所以大家明白了,为什么前面那些素材我们认为是“老素材”了吗?没错,正因为它们已经被用得太多了,不仅产生了视觉疲劳,而且就像拟物化图标一样,它已经带有旧时代感了。






如果还是觉得概念很模糊,还是不知道怎么判断素材的新旧,可以从以上这几个角度入手。








虽然配色会因不同的项目有所区别,但是在总结资料的时候,还是发现了一些大致的趋向。






我们发现,很多一些老素材用色跨度很大,颜色普遍存在灰调。






在我们认为最新作品使用的素材里,它们的颜色更加简练、清晰。

同时会避免使用灰调的颜色,主要集中在拾色器的上半部分。






而且新素材的颜色数量较少、边缘很明确,不会像老素材一样用多种色块去营造体积感。

所以相比,在这里总结出“老”素材它们的用色偏灰调、颜色量太多、颜色区分不明显的趋向。






比如这张素材,虽然人物的造型不像老素材,

但是因为整个画面灰调很重,给人一种整个画面是老照片的感觉。






所以只要减少灰调的使用,老素材的印象就能减弱。






或者做一个更极端的对比,尝试使用饱和度更高、更明亮的颜色。






通过这前后的对比应该也能感受到颜色对于素材的影响。








这个创造是指需要打破对日常事物的固有形象。






不知道大家有没有发现,很多“老”素材都和日常事物差别不大。

因为本来对日常的物体已经熟悉了,所以会导致我们在看到这种素材时,内心是没有惊喜的。






就像这个素材,为什么在现在看来已经有点过时了呢?因为它几乎没有创造性。这些素材的剪影像是从照片里直接抠出来,再进行填充黑白的素材。它没有经过自主意识的再创造。导致我们在看这种素材的时候与真实世界连接,没有新鲜感。到底什么样才算是再创造呢。






接下来我通过修改这个图像进行讲解。首先对它的细节进行简化。虽然简化了很多细节,但是人物的比例都是日常最常见的人体比例,需要改变,让它看起来更不符合现实常见的样子,就是陌生化的处理,在这里我选择对它的肌肉进行夸张化和图形化的处理。最后就是细节的变化,修改动作和添加一些装饰线条。






对比原图形,修改后的图形是不是就更具有现代化的处理?






比如说我们简化一个蛋糕时,它看起来虽然不至于太老气,但是很平淡。

再加上没有修改过的颜色,这个素材就更没有亮点了。






大家能想到蛋糕还能用这个形式表现吗?这是服部一成的作品,画面没有特别多的元素,仅仅是用不同颜色不同方向的线条通过错位来表现蛋糕的形状,却让我们觉得很新鲜,它为什么能有这种眼前一亮的感觉,是因为它使用的元素不再受限于现实世界的颜色与形式。






再来举例,我们现在在脑海里想像,“花”的形象是怎么样的。






它一定要这么具象吗?






它一定要有花瓣吗?






我是否只用一条根茎与红色的渐变,就能把“花”的形象描绘出来?

如果想要让它的形象更为明显,增加数量或者添加相关联的文案等方式都可以。






想了解更多的创造性的思考,可以参考《教你真正的图形创意方法》这一篇教程里的图形衍生这一步骤。








我们不会笼统地将某一种具体的风格判死刑,因为各种风格之间的界定比较模糊,

所以这里只是讲关于素材风格的特点趋势。






首先是开头也有提到的,现在的风格相比以前,趋向于扁平化。






不会再追求物体画得更写实更繁杂、反而更简化,会选择在笔触、颜色等方面强化细节感。






其实除了不扁平化,这些看起来比较“老”的素材还存在一个问题,这些素材在绘画上不够清晰鲜明。






既不偏向写实、也不属于扁平抽象,非常模棱两可。同时风格特征也不够鲜明。






同一个题材,不同的插画师会有不同的演绎,比如装饰感特别强,比如涂鸦感、或者忽视透视的设计。现在对于风格的多样性非常宽容,只要特征足够明确大胆,就不会那么老气。


以上所讲的这些角度并不是独立的,它们互相影响互相联系。既然知道这些素材“老气”,当然不能直接使用它,除了直接使用,这些素材可以作为参考或者灵感,通过颜色、创造性或者风格的修改,让它焕然一新。






比如在我们眼里已经被看腻的认为很“土”的高纯度色块的设计。






在高田唯的设计里,同样的色块和高饱和度的色彩却能在日本引起一场骚动。






前面讲的“老”素材常出现的色块过渡的处理方式。






却是玛蒂尔德·克雷蒂埃插图的风格。

所以有时候我们认为老气的素材,同样能够带给我们灵感和提供借鉴。






比如我们需要做一张简单的研森圣诞节日海报。






在找素材的过程中,会发现很难找到合适的素材,圣诞树的素材都太过于常见和花哨,

各材质元素还堆叠在一起。






不禁发出疑问,表现圣诞一定需要很多元素堆叠吗?






如果说想要营造圣诞的印象,使用红绿配色就能达到。






圣诞的热闹感通过控制版面的跳跃率和版面率就可以达到。

但是不得不说,版面的确缺少一个有关圣诞的主体,让人在短时间分辨出这是有关圣诞的海报。






从前面对于“老气”的思考中,不一定要使用繁杂元素的素材,但是需要从这些素材里选一个修改的方向,对它进行分析。这个素材同样存在过于设计化的问题,比如说外圈的绸带很多余,为了达到立体镜面的材质效果,颜色的形态和种类太多等。






可以先为它的形态进行简化。而这个形态是比较常见的,所以需要为它加上一个陌生化的表现。这里就选择了使用近几年流行起来的金属材质,因为印象中的圣诞树没有金属的。最后,问自己一句,还有哪些可以颠覆自己对于日常的设计。比如说圣诞树一定要绿色的吗?不一定,因为这个形状已经能让我们联想到树了。






只需要在版面里加上一些绿色的元素就可以加强对于圣诞的印象。

可以参考原素材里,圣诞周围的小点缀。






背景加个渐变让它看起来不那么沉闷。最后也可以在这个基础之上做一些简单的动效。





这篇教程主要从颜色、创造性、风格上总结素材老气的规律,但是更重要的还是要多关注优秀作品与设计趋向,与时代共进步。现在所讨论的“老”素材与“新”素材是基于此刻的时间点,至于未来这些“新”素材会不会又被认为是“老”素材,那就需要等时间来告诉我们答案了。好了,今天的教程就结束了,下期再见。





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